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时代更替、文化兴衰,历史朝朝代代承传着。张择端笔墨精熟、呈给宋徽宗的作品“清明上河图”,呈现出来当时社会的人物百态、经济活络的景象,繁华、复杂的活动场面有如上演的一幕戏。
美术专论与专访

历史上著名的《清明上河图》是北宋张择端所画,以长卷形式来描绘当时的汴梁(今河南开封)承平时期,京都街市与汴河漕运的繁盛景象。“清明”这绘画主题有什么特殊意义?“上河”的内涵是什么?展开画轴,从城郊沿汴河到虹桥再进到城区,河道两岸的自然与人文风光,以及市井生活、水陆交通经济发展,种种描写细致而生动…

在许多识货的艺术爱好者或专业人士眼中,《最后的审判》毋庸置疑是当时最伟大的艺术创举。

巴洛克时代(一六零零年至一七五零年)的欧洲正处在迈向“现代世界”的现代早期历史转变的潮流中,这包括在宗教上的信仰分裂、经济上的海外商业与殖民扩张,以及政治上走向专制君主政体。

米开朗基罗采用数字“三”来划分天顶为左中右三行,中央《创世纪》故事部分又分为大小轮替的九个画面,每三个图为一个组,分别描绘《神创世》、《造人与原罪》、《诺亚的故事》。顺序的安排是根据礼拜堂本身的功能有关的,如创世的部分安排在教皇举行仪式的祭坛上方;以其接近神的缘故;而人间的故事则放在群众席的另一端。

神按照自己的形像造了人’,这是许多古老民族的共同传说。旧约记载的主神创世时先造了日月星辰、山川海洋、动植矿物等等,那也是为人预备一个能赖以生存的环境,和生命得以循环不息的范围。所以人是世间的主体,是万物之灵。这是文艺复兴时期‘人文主义’的根源,也是米开朗基罗藉以赞颂主神造人之荣恩的创作主体。

柯尔生于英国却是像早期典型的美国人自学而成,而英国成长的经历与教养背景,给了科尔另一种视角。他的人物画并不像学院派训练出来的准确,但是风景画却能让人屏息凝神,荡气回肠。

1505年2月,米开朗基罗因教宗儒略二世的召见(注一),放下了《卡西纳战役》和其它未完成的工作,前往罗马为教宗设计陵墓。从此他的创作生涯将进入一个新的阶段。

除了《大卫》和《凯西纳战役》,米开朗基罗同时期承接的工作还包括一座青铜的《大卫像》(今遗失),圣母百花教堂委托的《十二使徒像》(后来仅做了《圣马太》粗雕),一座《布鲁日圣母》 ,两幅圆形的《圣母子》浮雕 ,还有一幅较知名的《圣家族》——即《多尼圆幅》(Doni Tondo) ,或称《多尼圣母》(Doni Madonna)。

谈起巴黎公社,很多人都会想到1871年经由血腥屠杀所夺取的短暂政权。但研究过历史的人都知道,法国史上其实出现过两次“巴黎公社”(Commune de Paris)。在人们所熟知的十八世纪末法国大革命时期就已经出现过第一次巴黎公社了,而1871年的巴黎公社实际上是继承了大革命时期巴黎公社的名称,并延伸了其组织结构与暴力手段。

相较于达芬奇从绘画的角度来经营画面效果,米开朗基罗自始至终没有忘记他雕刻家的身份,他以人体为表现元素,画中人物一个个如雕像般肌肉结实,轮廓分明;整体的造形力度生动而紧密。

1501年,26岁的米开兰基罗回到成为共和政体的佛罗伦斯,此时萨弗纳罗拉已被处以火刑,索德里尼(Piero Soderini)于1502年继任行政首长,呈现一番新气象。由于罗马的《圣母悼子像》广受赞誉,米开朗基罗开始崭露头角,大量的工作合同蜂拥而至,其中最重要的,应属新共和国政府委托的重要公共艺术工程,一是代表佛罗伦斯精神的《大卫》雕像(1501~1503年),其次是在维奇欧宫的议事大厅与达芬奇《安加里之战》对垒的壁画《卡西纳之役》。

1492年罗伦佐去世后,米开兰基罗回到自己家中。这段期间他得到佛罗伦斯圣神教堂院长的协助下,他得以利用教堂医院(l'hôpital Santo Spirito de Florence)的尸体进行解剖研究,一窥人体结构之奥秘。为此米开朗基罗雕刻了一件木制的耶稣像(wooden crucifix,1492-93)回报给教堂。

文艺复兴盛期另一位与达芬奇势均力敌的艺术巨擘是米开兰基罗。他们先后出生、成长于佛罗伦斯,是同乡也是竞争对手。米开朗基罗比达芬奇晚23年出生,却多活了45年,是文艺复兴盛期最长寿、影响力最大的大师之一。他一生跨越了文艺复兴的早期、盛期到晚期,看到了罗马的兴衰,也引领着艺术的变革,直接或间接影响着矫饰主义和后来的巴罗克风格。

北宋范宽《谿山行旅图》不仅被誉为中国山水画里最高的一座山,外国人想了解中国山水画时,一定不能不提到它。看过这幅画的人几乎全是“一见难忘”,许多人好奇,许多人感动……,这幅画为什么会有这么大的力量?本文就将试着解读在这幅“其实很数学”的画中,到底蕴藏了哪些秘密。

许多优秀的作品往往是高质量的体现。它们都有一个特点,那就是里面的人物、构图设计都经过了反复的推敲,使画面中的每个个体单位都发挥其意义和作用。假设画面上存在一个没有经过深思熟虑、对画面没有很高价值的人或物,那么作者在调整构图时一定会将其删掉。也就是说,画面上的每个个体都必须起到很大的作用,就像写诗一样,没有一句是废话。画面上每一件东西都不能随便存在,都必须有它存在的价值和意义。

这是德国画家阿尔布莱希特·丢勒(Albrecht Durer)于1500年所作的自画像。严谨细腻的多层罩染技法将几乎所有的细节都刻画入微,连头发都丝缕可数。造成这种真实感的一个重要因素就在于作者对光、影、色以及转折处细腻的过渡处理。甚至于每一小缕头发、胡须都仔细地由高光部分渐渐过渡到平光的亮部,再细腻地过渡到测光的灰调面,逐渐穿过明暗交界限达到反光部分直至投影。

在绘画中,对于每一个环节的处理上尽量保持一定的简单方便相对来讲是很重要的。因为在每一步骤中的目的单一一点儿就容易专心致志以达到成功。比如说在白纸上画一个什么东西,如果什么辅助线、大体形状、整体计划都没有,一上来在一遍之内就要求全因素全部到位那就太难了。

即使一幅不大的多层罩染技法油画也需要数倍于直接技法的时间来完成,这就是为何古代大师们往往花费数月甚至数年的时间才能完成一幅画的原因之一。

在意大利画家卡拉瓦乔(公元1571—1610年)之后的很多画家都爱在几乎是黑色的深色底子上提白,导致画家们都不得不被人归为“暗色画派大师”。同时,很多材料、颜色上的原因也致使这些作品在历史上一天比一天更黑,油画变黑得很厉害。

针对已有相当的基本功的画家而言,在创作过程中的种种技法应该自由、灵巧地运用,而不应被已形成的技法框框阻碍住自我的主念。因为在表现美好光明的道路上,技法是为真正的艺术而创造的,而不应该以技法为主从而阻碍艺术家对艺术的表达。

文艺复兴绘画中出现的Cangiante(换色法)、Chiaroscuro(明暗对照法)、Sfumato(晕涂法)和Unione(统合法)这四种风格迥异的绘画技法被后世广为流传,许多艺术巨匠都曾经出神入化地运用它们创造出辉煌而美丽的艺术珍品。

在宫殿里,对于建筑物的装饰,或对于天顶、墙上绘画的装饰,很有力地说明了这一点。“好马配好鞍”是很有道理的说法。好的装饰其实也体现了对作者艺术精神与艺术理念的尊重。

事实上,对于具有立体感和空间感的全因素色彩作品,在起稿时的工作做得再细致,也只不过是相对而言的大形,不同的细致程度其实是不同的艺术家因其自身特点对“大形”这一概念的认识和理解的不同体现而已。

史学界一般则习惯于把十四到十六世纪间不同于中世纪的一种更为关注人自身理念的思想风貌称为历史上的“人文主义”,可以看作是涵盖于文艺复兴期间的一种思潮。

伦勃朗藉由亲眼所见捕捉人性,让我们看到了自己。当看到我们自己的好与坏时,我们有了成长的空间。根本上来说,伦勃朗的作品,无论是藉由画中的人物或大师本人都可以成为今天的我们内心成长的媒介。

西方学术界也一直有不少著名历史学家、哲学家认为古希腊的哲学在当时并非是今天人们认识到的学问,而直接就是一种精神的修炼(Exercice spirituel),并将其与释迦牟尼佛和老子传出的修炼法门进行类比。

历史的演变犹如天体运行、星球运转,地球的自转和公转也确实体现出了不同于其它星球的时间概念,而历史恰好就是在这特定的时间中一步步演绎着,其中也包括了文艺复兴前后这一重要戏目。

为了解决画中人物在从下面仰视时所应呈现的比例这一难题,米开朗基罗将壁画上半部分的人物画得大些,下半部的小一些,以适应自下而上的观赏效果。

针对当时社会吃喝风气严重的时弊,以描绘吹号为象征的手法隐喻了宗教中所说的“最后审判的号角已吹响”,呼吁人们重拾谦虚谨慎、远离贪欲、敬天奉神的传统美德。

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