从1750年巴赫去世那一年到1827年贝多芬过世，这75年间是音乐史上的“古典乐派”。“古典”这个词隐含着最佳模范的意思。从古希腊、罗马的历史、神话、哲学的影响，人们联想到古典的文明及美德。1748年意大利庞贝古城的发掘，为当时的欧洲掀起了一股“尚古”的风潮。人们热中于古物的研究，企图从古文化的精萃中，重新发现艺术的根本价值。

根据一些理论家的统计、运算，找出了隐藏在这些古典精神的建筑、雕刻里的设计原理。这个“古典的比例”的说法，意味着拥有自然匀称的适当比例，而这个比例是一个公认的、客观的正确原则。在这样的前提下，致使古典时代的风格呈现一种重理性、逻辑的形式美，而这种美感是力求简单、节制与均衡的。

当时的作曲家都握有一把平衡好这个认可的比例的尺。就像希腊神殿山形墙的对称平衡设计对后世建筑的影响，音乐上也有“奏鸣曲”与“奏鸣曲式”这类由对称、平衡的概念下因应而生的曲式，而这些曲式的发展几乎主导了所有西方音乐的走向。

古典作曲家擅长运用“3”这个数字，完美的切割出作品的黄金比例。在三段式的曲体中，他们利用前后段的对等呼应来衬托、对比中段的不同，进而表现出平衡的关系。例如：奏鸣曲是藉由速度的变化“快”、“慢”、“快”来取得乐章间的平衡。奏鸣曲式则是以“呈示部”、“发展部”、“再现部”三个区块条理分明地规划音乐路线。这样在音乐上三个时间前后出现的效果，就如视觉上希腊神殿山形墙的主体与对应部分三个比例的关系，能自然的调和形式，达到平衡的原则。

奏鸣曲式中的第一部份“呈示部”是音乐主题风格的呈现。第二部份“发展部”则是将这个主题更进一步地发展，发挥出更多层次的深度表现。接着音乐走到第三部份“再现部”，其实这里就是第一部呈示部的再现。藉着听觉的记忆，再一次确认主题，更清楚地掌握主题所给与的讯息。与呈示部不同的是，通常会有一个较正式、慎重的“结尾”的安排，提醒听众乐曲就将结束了。

开创主音音乐

古典乐派在音乐上的另一个重大里程碑即是开创了“主音音乐”的创作织体，脱离了长久以来一直居于领导地位的对位法音乐。这也代表了一直高高在上的宗教音乐让位给了一般用途的器乐曲。古典音乐家关心的是：如何让乐曲各段落之间达到平衡，以便听众能清楚地抓到音乐的走向，同时也能正确地受到指引以明白作品的架构。作曲家希望听众能听懂他们的音乐，他们希望能以更简单、更真实的方式带领人感受音乐。

所谓的“主音音乐”就是有一个明显的主旋律，其他声部则像配角一样予以伴奏、衬托。其实这也是我们目前时下最常听见的型态，就如一般的歌曲演唱与伴奏搭配就是属于这一类的。

可能我们会有这样的疑问：怎么在乐曲中会有那么多的“反覆”呢？其实这些音乐上的反覆，都是为了加深主题在听者心中的印象。毕竟音乐是时间的艺术，瞬间即逝，只能靠反覆来增强听觉的记忆。

提到听觉的问题，奏鸣曲在三个乐章的轮替上，采取快－慢－快的作法，实际上也是为了避免产生听觉疲劳。经由速度的变换，使听众能在较长时间的曲目表演中，仍能集中注意力，保持新鲜感。

贝多芬“悲怆”第二乐章

“奏鸣曲”与“奏鸣曲式”这两个名词很容易混淆。“奏鸣曲式”大部分是属于“奏鸣曲”第一乐章中的作曲形式，而“奏鸣曲”则是更大范围的一种多乐章的曲目架构。广义的奏鸣曲，小的可以是乐器的独奏曲，大一点的可以是室内乐重奏曲，再大一点的就成了交响乐的规模了。

奏鸣曲乐章速度是快－慢－快的穿插法则。贝多芬的钢琴奏鸣曲“悲怆”的第二乐章是个“如歌似的慢板”，它是慢板乐章的极致代表，音乐中散发的高贵、典雅气质，可说是古典精神的典范。

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这首曲子是由三段体曲式写成的。三段体又称为ＡＢＡ曲式，也是一种典型前后两段相同、中段不同的对称、平衡形式。贝多芬的创作虽然继承了前两位前辈的优点与原则，但一向自我风格极强的贝多芬，在传统形式中仍企图表现他的与众不同。他在每次主题出现时，都以不同的伴奏方式来表达不同层次的情绪张力。贝多芬试图在一贯的制式主题反覆模式下，达成一种近乎“前因后果”的乐念，音乐仿佛不只是听进耳朵里去感受愉悦，而是深入肺腑，要感动人心的。

这个古典的黄金比例是否在您心中也留下了一把尺，好好善用它，您将会更了解作曲家的语言。

──转自《希望之声》

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