今天我想藉這個機會可以把我多年來創作的一點心得跟各位分享。我以現場的作品來說明這次展覽的內容、精神、內涵；並且列舉一些作品來說明。創作有兩個層面，一個是屬於內心的想法，另外一個是屬於表現技巧，這兩個部分我今天都會提到一些。

首先我們來看一幅名畫，畫家是荷蘭人維梅爾。他和我沒什麼關係，但是他的畫裡給我很多感觸，很多靈感。這件作品叫做《編織的女孩》，我常用這張畫在上課時跟學生分享。一個專注於編織的普通女孩子是很美的，可以成為一張世界名畫。一般人常說﹕天下沒有醜女人只有懶女人，話雖然和這張畫沒有什麼必然關係，但是《專注》、《全心投入》的本身，就是值得肯定的美德。當畫家用心把她畫出來，就是一種藝術內涵的表現。雷諾瓦曾稱之為『世界上最美麗的一幅畫』。

維梅爾 《天文學家》

維梅爾 《繪畫藝術》

其實維梅爾的很多作品都在展現這種專注的神情。例如這幅畫中的天文學家，正對照桌上那本書星象儀在研究星象，光線從窗戶透射進來，呈現一種寧靜祥和跟專注的氛圍。維梅爾的許多作品裡面都有這樣的特性。例如這幅作品《繪畫藝術》，畫家是不是畫自己，我也不確定。荷蘭在17世紀是個海上強權，地理學非常的進步，人們有看地圖的習慣，所以牆壁上掛著荷蘭地圖反映了時代背景。從布幔看到那個光從外面投射進來，模特兒擺了個姿勢在那個角落，專注的畫家和專注的模特兒各司其職，各盡本分，形成非常寧靜的氣氛，想必一根針掉在地上都聽的到。現在這幅《地理學家》也一樣，他在研究、思考，同樣的光線，同樣的室內氣氛，括後面櫃子和上面的星象，都令人感受到那樣專注的氣氛。

維梅爾 《地理學家》

維梅爾 《倒牛奶的女傭》

同樣的精神出現在這幅倒《牛奶的女傭》。一個平凡的女傭，在倒牛奶的平常動作，卻那樣小心翼翼。或許在準備早餐、午餐或晚餐都不重要，但表現出一種平凡而實在的一種寧靜的氣氛。我一直非常喜歡維梅爾，他本來不受重視；但是十八世紀一個風格近似的法國畫家夏爾丹被肯定讚美的時候，人們發現夏爾丹和17世紀的維梅爾那麼類似，才把他從新肯定，成為國際級的大師。

維梅爾 《讀信的藍衣少婦》

我覺得做事的態度是很重要的，更讓我感動和喜歡的是室內的氣氛的描寫。這幅畫中描寫懷孕的藍衣少婦在讀一封家書。當時荷蘭是個海上強權，可能她的丈夫是個海軍，或航海家或是水手，那麼看家和書信對她是非常重要。後面的地圖也有暗示的作用；光線跟氣氛都很動人。其實古典的繪畫作品的中，那樣的氣氛、那樣的場合、那樣的內容，我們都會被感動。

藝術必需堅持的原則

那麼現代藝術呢？我沒有列舉作品，我想現代藝術存在著很大的、值得思考的問題。以前的藝術是讓人平靜的，不管你是博士，還是只有小學畢業，在看畫的過程中都可以去感受畫所傳達的意境、畫家所傳達的訊息，畫作所傳達的感動人的那些因素跟條件。可是現代藝術可能需要長篇大論的說明，介紹畫家的創作背景之後，才慢慢理解原來這個畫家在表現什麼。所以我個人認為藝術一定要有個界定的標準，尤其在20世紀藝術被顛覆之後，我個人想說服大家，我們要堅持幾個原則。什麼原則？就是說藝術一定有相當嚴格的標準來界定，不是隨便任何人找張圖亂塗亂灑，他就可以稱為藝術品。所以我想它有先決條件如下﹕

1. 有創造能力的人產生意念，透過媒材和表現技巧展現出來。
2. 藝術應受較高標準規範界定，方有價值 。
3. 藝術傳達了思想和情感，還能激發共鳴 。
4. 藝術合乎人類文明發展過程中的特點 。

第一， 創作藝術的人要有創作的意念。而這個意念是來自內心的感想，有想法想要抒發出來。

第二， 此外他必須透過高度的表現技巧展現。就如同假如我今天我不會講話，即使我滿腹經綸，都沒有辦法透過口語來傳達，那這場演講是白搭的，各位也白來。這就是傳達的技巧。藝術家在技巧上要比一般人來的成熟，而且更高超。所以藝術應該要有較高的標準來規範、界定，方有其價值。這點也很簡單，我常用唱卡拉OK來舉例。每個人都會唱，幾乎每個人家裡都可以裝卡拉OK，想唱就可以唱，結果唱的鄰居受不了。為什麼你會唱可是鄰居受不了？因為你沒有達到藝術家的水準，你沒有達到藝術界定的標準。為什麼有很多歌手唱的很好聽，我們就會去買他的CD？因為我們肯定他超越應該要有的美感標準，所以藝術一定要有個標準。這個標準在哪裡？傳統藝術有，可是在現代藝術的抽象繪畫裡面，我們很難去尋找那個標準在哪裡。即使我是學藝術的人，都無法告訴各位答案。

第三， 藝術還要具備能夠傳達思想和情感的能力，而能激發共鳴，這點很重要。如果傳達出來的情境沒有辦法激發你的共鳴，也是白搭。如果我今天講的內容你們都聽不懂，那我在這邊講兩個小時也沒用。

第四，我覺得藝術發展和人類文明的發展是同步的，藝術表現的就是這個世代人類所共同認定的一種概念，藝術家用藝術的方式把它呈現出來，為這個時代的文明做註解，它的價值才會存在。

這就是我個人的想法。我們現在都面臨一個問題。就是現代藝術的萌芽，受到很大的時代衝擊。傳統藝術要傳達什麼，畫什麼很清楚，我們都可以從畫面了解、看到。但是隨著時代的進步，如19世紀工業革命開始，包括照相機的發明，現代藝術的發明。原來藝術具備傳道、授業、解惑的功能；19世紀印象派革命之後，印象派把繪畫當成化成為一種視覺感受的純藝術，不再具備說教的功能。我們必須承認這個說法，是有它存在的必要，算給現代藝術家一條活路。他說：我們必須從『模仿自然』轉換到『詮釋自然』。塞尚認為以前的繪畫都是模仿自然，看到一棵樹，畫這棵樹，但是現在起要去『解釋自然』。模仿自然的責任交給攝影師，交給照相機就可以了，解釋自然的工作讓我畫家來。所以畫家必須要有更高的責任跟使命感，把自己往上提升，這才是照相機發明之後藝術存在的價值，否則就被取代了。

19世紀曾經有人說過，照像機的發明宣告繪畫已死，因為繪畫可以做的照相機做的更快更精準。可事實上到21世紀的今天，繪畫沒有被取代，繪畫跟攝影成為相輔相成的夥伴關係，所以我們很多人都用照相機來創作，包括我也是我們都不要否認這個事實。還有人用幻燈機直接打在作品上面畫。我們必需接受，藝術家必須利用整個大環境的改變來進行創作，但是在創作和傳達的過程中不能出差錯，否則，就很難讓民眾理解。

我剛剛還跟一個朋友講，如果我們讓100個人來欣賞傳統的具象藝術，讓他們一看、再看；以後願意看畫畫的人數會很多；但是你讓100個人看現代藝術，他看一次、兩次，他看不懂；要去看解說文字才懂，慢慢看藝術的人就會越來越少，其實這是可以非常容易做實驗的。（待續）

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