讀書時期的陳進 前排右一

從1925年到日本留學開始，此後二十多年間，陳進在畫壇上戮力衝刺，年年費盡心思，創造最好的作品。重視帝展參選的陳進持續創作，為自己開創出繪畫生涯的黃金時期，酷愛繪畫的她除了參加台展及其他畫展，並且寫下九次入選帝展的輝煌紀錄。

得獎後和日本的大畫家們合照的陳進〈後排右一〉

陳進不僅在台灣畫壇上叱吒風雲，同時也深受日本美術館的青睞，為此，台北市立美術館聯合日本三家美術館，開辦了一場別具意義的陳進百歲紀念展。

台北市立美術館的助理研究員吳世全表示，美術館成立以來有兩大宗旨：第一是介紹現代美術，第二是推展台灣美術家的藝術作品。在本土的藝術家當中，陳進百歲紀念展別具特別意義。陳進女士藝術生涯中很重要的作品都集結在此，相當的難得，在過去她的作品展覽當中，很少這麼完整的呈現出來。為了籌畫陳進百歲紀念展，策展單位向各處借展，集結了一百多幅作品，可以說是有史以來最具規模、最為完整的展出，並以此來懷念這一位從八十年前起，就屹立在台灣畫壇的第一代女畫家。

陳進百歲紀念展

「很難能可貴的是，在台灣的第一代畫家中，極大部分都是以男士為主，唯一的一個女性畫家，就是陳進女士，在我們整個台灣美術史來講，更加的難能可貴。她生於1907年，為了紀念她一百歲的生日，我們特別與日本三家美術館，共同舉辦一個百歲紀念展，讓台灣和日本都能深深了解到陳進女士的東洋藝術的成就。」吳世全說道。

透過陳進的筆，帶領我們回到那個時光流逝得輕柔緩慢的年代；出生於望族、身為大家閨秀的陳進，用彩筆記錄著當時社會環境中那種端莊嫻淑、溫柔婉約的女性之美。吳世全說：「從陳進女士的作品當中，可以看到她所畫的仕女畫，完全是展現她自己個人的品味、個人的氣質，乃至於她個人家境的生活背景，完全把那種女性之美充份的顯現出來。她的作品裡面，可以看到不同的婦女，有不同樣的造型、不同樣的款式、不同樣的衣著，尤其是那種髮型變化得相當豐富。」

日據時代，因為整個大環境的關係，日本人一直推展所謂的膠彩畫，深深的影響到台灣當時的年輕藝術家，所以那時的年輕藝術家，不是學習西畫，而是大部分都學習膠彩畫。膠彩畫很重要的代表人就是陳進女士，她不僅繼承日本那一套膠彩畫的特質，也把日本美人畫的優雅特質和風格完全繼承下來；甚至她也進入到日本美人畫大師鏑木清方的畫室裡面，學習美人畫，所以從她的作品中，可以很清楚的看到，鏑木清方的那種很優雅、很美麗的美人畫的表現風格。後來的作品，則是表現出我們本土的人文，所以在陳進的作品中，可以看到她的家人、她的姊姊，以及原住民的、鄉土的，老百姓、市井小民等，都透過很優雅、別致的表現技法呈現出來。

獨樹一幟的日本美人畫隸屬於民俗畫，尤其是古典畫派的畫工非常的細膩精緻，蘊涵著濃濃的日本人文精神及女性氣質；美人畫大師鏑木清方的風格不只清新，而且還滲透著詩意，所以在陳進的畫作裡，看得到老師對她的影響。然而，雖是在日本學藝，對於那些濃厚的日本風味的美人畫，陳進並沒有照單全收，而是用心的吸收其中精髓，再經過咀嚼消化後，綻放出自成一派的格局。

畫筆描繪人文藝術

憑藉著對藝術無比的熱情和才情，在不斷的努力下，陳進女士終於在藝術的領域裡打下一片天地；在陳進的身上有很多突破性的事跡，她寫下許多第一次的紀錄，例如她是第一位入選日本帝展的台灣東洋畫家，是第一位受聘為高中教師的台籍女教師，也是第一位擔任台展審查委員的女畫家。

1934年的作品〈合奏〉，表現兩個婦女彈奏古代中國的樂器。

陳進創作於三○年左右的作品，好幾幅是到現在還留存的巨幅代表作，以人物畫的表現為主，我們可以從畫中的人物看髮型、看衣服的款式，隨著時光的推動進程中，分屬於不同年代的人物在這裡悠然相遇，這其中的畫境，也伴隨著她自己的成長過程和心境的轉變而有所不同。

中國的新娘戴著鳳冠霞帔

〈化妝〉是入選日本春季帝展的巨幅創作，完成於1936年

「1935年的作品〈悠閒〉，是台北市立美術館鎮館之寶。陳進女士以她姊姊陳新為寫生的造型，透過這個作品，可以看到一個富家閨女居家生活的情境，檀香、枕頭、紅眠床，整體的變化、設計及配置，表現得相當精緻和雅緻。在臉的表現上，保留著古典美女畫的表現手法，用線條去勾勒出來，鳳眼、櫻桃小嘴，古典風格的一個造型；在身體的表現來講，雖然明暗的變化不是相當的大，但是整體那種身體的重量感，豐腴的感覺，都可透過衣著顯現出來。」吳世全詳細的解說著。

1988年，82歲的陳進，將作品〈悠閒〉提供給台北市立美術館鎮館收藏，在當時，這是一幅從來沒有公開展示的作品，據推測可能是當初打算參加第16回帝展的作品，但那一年卻因故取消並未舉辦。

1935年的作品〈悠閒〉，是台北市立美術館鎮館之寶

「這一條一般來講都會變成水平線，水平線會顯得比較安靜，但是她為了使這張作品產生一種律動感，刻意把這一條線變成斜線，紅眠床雖然是安靜的，但是因為斜線而產生律動感，更重要的地方，因為這條斜線是右大左小，所以使得這一條線，會有從右往左走的感覺。」吳世全指著畫解說道，「她所畫的金色的這幾個地方，會覺得是突出來的，好像真正鑲金上去的，其實它真的是鑲金上去，所以那個金是相當厚重的、真實的，但這就是所謂膠彩畫的特色，因為膠彩畫最在意的就是所謂的裝飾，這件作品也是我們中華民國郵票上面的圖案。」

陳進用細微的線條一筆一畫描繪著家鄉的風土民情，把生活上的點點滴滴如實的記載在畫作裡，幾乎每一幅畫作的背後都有精采的故事。而脫胎自日本美女畫的唯美畫法，更是成功的將當時上流社會中既典雅又摩登的女子請到畫中來，包含姊姊和她自己理想中的完美形象，全然的在畫作中浪漫呈現。

溫婉柔美的膠彩畫

膠彩畫源於中國唐朝時期，當時是被用來繪製金碧輝煌的宮廷建築，承傳到日本之後，他們將膠彩畫發揚光大，廣為畫家所喜愛，發展到後來更成為日本的國畫。
用永不褪色的玉或金等天然岩石研磨成粉狀，再用動物膠加以調製，過程相當的複雜瑣碎，然而除了材料昂貴及取得不易之外，在上色過程中還必須具備耐心和細心，因為一旦上色之後就很難修改。藍慧瑩說：「什麼叫作膠彩畫？所謂的膠，都是用一些動物性的膠，台灣梅花鹿很多，較常用的可能是鹿膠。」

吳世全表示，膠彩畫跟中國傳統水墨畫最大不同的地方是，中國水墨畫比較強調意境、想像，擬想的一個境界；但膠彩畫的表現過程中，很重視寫生，一定要透過寫生來表現出所描繪的自然的一個對象。膠彩畫沒有像油畫那種厚重、強烈的對比，比較淡雅，但是，可以像國畫一樣多重染色，只要不染到髒就行，重視線條，全部用線條勾勒出來，像書法那種筆調似的流暢。

生命轉彎處再見美麗風景

用心經營藝術的陳進，直到四十歲才結婚，在生下唯一的兒子蕭成家之後，畫作呈現出和年輕時截然不同的情境，從不食人間煙火的唯美畫風，轉變成居家生活的畫面。從努力參展的年輕時代，到為人妻、為人母，走過富貴繁華，也走過戰爭紛亂，見證了將近一個世紀的她，把豐富的人生經歷留在畫中。雖然，淡化了參賽的熱情，繪畫卻已成為生命中的一部分，陳進沒有停下畫筆，開始用溫馨甜美的畫面描繪出她對家人與朋友的關愛。

從意氣風發的少女時代，一直畫到滿頭的白髮，堅強的陳進，連生病的時候也不肯停下畫筆。她唯一的兒子蕭成家說，母親一生的作品不多，但是每一件都是精心創作，往往一張作品要花一年的時間，才會滿意定案。

「這是她當阿嬤的時候，畫她的媳婦跟孫子，做媽媽的表情溫和了，那種親子間的互動熱絡，看著小孩的心情是很甜美的，可以想像得到，陳進升格當阿嬤時的心情，阿嬤對孫子是無限的寵愛。」藍慧瑩表示，「年輕的時候是眼力好，可是年紀大了眼力也不好了，沒辦法畫那麼的準確、細膩，所以她就畫得比較粗，晚期的時候她身體非常不好，已經沒有辦法去完成後來的作品」。

1998年，92歲的陳進因病去逝，留下了幾幅未完成的畫作，連同展場中一百多幅的畫作，為平靜理性、一心追求完美的她，做了詳盡的代言。陳進曾經說過：「我不跟別人比，只跟自己比，有沒有更進步？有沒有更突破？」@*

(http://www.dajiyuan.com)